tríptico
2009 :óleo sobre lienzo :60"x156"

DE LA HABA Y LA PARADOJA DE LA MODERNIDAD

"Ser modernos es vivir una serie de paradojas y
contradicciones.Es estar dominados por las inmensas
organizaciones burocráticas que tienen el poder de
controlar, y a menudo destruir las comunidades,
los valores, las vidas y sin embargo, no vacilar en
nuestra determinación de enfrentarnos a tales fuerzas,
de luchar para cambiar el mundo y hacerlo nuestro."
-M. Berman

por Deledda Cros


Carro con bombillaLas vanguardias marcaron con un doble giro la trayectoria del arte moderno. Por un lado, pusieron en entredicho la idea clásica de imitación (el arte moderno ya no estaba interesado en imitar la naturaleza) y se apartó de la tradición mimética. Tampoco deseaban continuar con la tradición del realismo narrativo, iniciada en los primeros años del Renacimiento italiano. Para la modernidad vanguardista, la pintura no era ni podía volver a ser una expresión del espíritu entendido como aura, ni podía estar vinculada con un nuevo sentido de culto, aunque éste fuera de carácter secular. Las vanguardias históricas iniciaron el viraje hacia el manejo material de un nuevo tipo de objeto artístico regulado por un eje paradigmático emergente, marcado por una percepción individualista del entorno y de la cultura, junto a la incorporación en la obra de arte del mismo ritmo acelerado presente en las grandes ciudades durante sus primeros contactos con el mundo de la máquina y de las manufacturas (el Futurismo). Esta nueva sensibilidad ante lo moderno, contaba con un nuevo tipo de imaginario que se apoyaba en la fantasía y en las imágenes generadas por el subconsciente (el Dada y el Surrealismo) a partir de un saber pre-lógico e intuitivo que se había alejado de las nociones canónicas del arte realista.

Durante las primeras décadas del siglo XX, esta sensibilidad emergente sentó las bases para una profunda transformación en los criterios que habrían de definir la obra de arte y la relación, cada vez más inclusiva, del público como consumidor de nuevas y diferentes modalidades de la expresividad artística.

Figuras como la de Marcel Duchamp y un poco más tarde Jean Dubuffet, Andy Warhol y Jean Michel Basquiat, incorporaron la influencia de la cultura popular urbana y la práctica callejera del grafitti, logrando llegar a disolver la hoy ya superada separación entre el objeto manufacturado mediante procesos de reproducción industrial y el objeto artístico producido por medios artesanales. Marcel Duchamp con sus ready - mades contribuyó a fundar el legado de la voluntad y el poder de designación del artista para transformar un objeto habitual (una pala de nieve), el fragmento de un objeto (la rueda de una bicicleta) o la reproducción fotográfica de una obra de arte tradicional (la Gioconda, a la que Duchamp le pintó un bigote) hasta convertirla en una obra de arte moderno.

Tres sillas 3Jean Dubuffet, por su parte, amplió los márgenes de inclusión en el perfil de lo que hasta ese momento era designado como objeto artístico. Para este pintor no era necesario que el agente productor de la obra de arte tuviera que haberse formado en una Academia o en un taller bajo la supervisión de un artista reconocido. Bastaba con que una persona se pusiera a pintar, fuera ésta un niño, un paciente mental o un pintor amateur; su obra tendría la misma legitimidad que la realizada por un artista entrenado en las técnicas tradicionales de producción artística; sobre todo, cuando ya no regía un canon de belleza de aplicación universal. El arte en bruto o rústicamente hecho, no podía ser formalmente descalificado. Con Warhol, junto al gran despliegue del arte Pop en los 60, y un poco más tarde con Basquiat, los motivos y los signos de la cultura urbana de consumo se vuelven no solo elementos temáticos, sino objetos con un carácter icónico incorporado, que forman parte del proceso material de construcción de arte moderno. A pesar de que durante la segunda mitad del Siglo XX, la modernidad asuma una diversidad de trayectorias de carácter programático y estilístico, las dos formas básicas de producir el objeto artístico se articulan alrededor de una doble perspectiva constituida por el abordaje informal y el conceptual de la obra, aunque estas dos formas de asumir el proceso de creación no sean en la mayoría de los casos estructural ni ideológicamente excluyentes.

La pintura de Luis de la Haba y su colección titulada Pinturas recientes, que actualmente presentala Galería CAl de la Universidad Interamericana - recinto Metro -- se inscriben dentro de esta tradición de ruptura, característica del arte moderno. La iconografía que el artista despliega en sus cuadros (sillas, autos, figuras humanas, bombillas, aviones y edificios) forma parte de los motives fundamentales de la modernidad y su pintura asume la doble plataforma conceptual e informal característica de la vanguardia histórica.

La superficie de sus cuadros mantiene un patrón de composición que no obedece a criterios de jerarquía ni se articula de acuerdo a la noción tradicional de unidad compositiva ya que en su pintura las partes establecen una relación libre y abierta, basada en la proximidad yen la yuxtaposición de los objetos representados. Su dibujo también recoge la puesta en valor del garabateo y de la expresividad infantil, que el artista propone como una fuente de ampliación de la expresividad plástica. Con el uso de la mancha, el tachón y la borradura, la pinturas de de la Haba generan un efecto de contraste intencionalmente moderado, que a cierta distancia del observador, contribuye, por un lado, a realzar los efectos lineales de su dibujo y por otro - cuando el punto de vista del observador se aleja --- , ese mismo fondo irregular, invisibiliza los elementos figurativos de la pieza y transforma el lienzo en una nueva superficie, donde la abstracción y la gestualidad informal adquieren un nuevo nivel de relevancia, que le imprime al cuadro una segunda apariencia, mediante este doble registro que establece un juego de alternancias entre lo figurativo y lo abstracto.

Carro con sillas 1En esta colección de pinturas recientes, también se puede advertir el desarrollo de un discurso alegórico en el que se perfila una representación crítica de algunos aspectos de la modernidad vinculados a una experiencia generalizada de desarraigo, en donde los espacios de convivencia se han ido reduciendo hasta convertirse en un no-lugar, en el que no existen unas relaciones duraderas, que permitan al individuo reconocer al otro como un prójimo y al que sólo le une unas prácticas habituales regidas por un interés utilitario y por una razón socialmente instrumental.

En un cuadro como Carro con bombilla (2007), se puede apreciar el manejo de ese doble registro (figuración - abstracción) que mencionamos anteriormente como un abordaje característico de la modernidad y de la pintura de de la Haba. El manejo de figuras yuxtapuestas rodeadas por una acumulación de trazos con una impronta emotiva de origen tachista, produce la sensación de un ordenamiento intencionalmente arbitrario de la composición, que abre la posibilidad de percibir esta pintura como una imagen abstracta con un alto nivel de ambigüedad, donde se borra o bloquea cualquier intencionalidad narrativa y se tiende a valorar los aspectos expresivos, gestuales y cromáticos de la obra.

También existe otra vertiente interpretativa, donde el cuadro genera un orden narrativo emergente, que permite al observador distinguir la figura emblemática del automóvil y de la bombilla, como dos signos propios de la iconología tecnológica, con un potencial simbólico que alude a una crisis que puede tener implicaciones vitales y existencia les mucho más amplias y complejas que la mera inclusión anecdótica de dos de los objetos más representativos de la sociedad industrial.

En otra de sus pinturas titulada Carro con sillas 1 (2008), de la Haba juega con formas geométricas donde utiliza el rectángulo, el cuadrado y el cilindro para confeccionar un avión, tres sillas y un automóvil, que aprovechan los perfiles propios del dibujo, el humor y la fantasía infantil para ofrecemos un registro fantástico de objetos que flotan en el aire sin ninguna justificación aparente, donde la posible contaminación metonímica de la figura del avión podría trasmitirle a las tres sillas y al automóvil sus capacidades de vuelo.

Del las nueve pinturas presentadas en la muestra, la titulada Músicos 1 (2007) es la única que difiere por su tratamiento estilístico y por los elementos temáticos que aborda. La pieza está compuesta por tres músicos que utilizan instrumentos de cuerda y de viento y que parecen estar ofreciendo un concierto ante un público en un espacio abierto ( posiblemente la Plaza de Recreo de algún pueblo del interior de la isla). La figura de los músicos y la cabeza de uno de los asistentes, conservan una frontalidad hierática que nos recuerda las tallas de los santos de palo y el arte popular. El manejo del color registra un mayor dinamismo, ya que muchas de las pinturas que forman parte de la muestra, incorporan fondos donde predomina un color homogéneo, a pesar de que de la Haba utilice la mancha y la tachadura para romper con esa regularidad cromática.

Si consideramos la exposición en su conjunto, podríamos afirmar, que el peso y la presencia de los objetos es mucho más evidente que la presencia de la figura humana. Esta falta de protagonismo del sujeto, puede ser sintomática y también indicadora de que en la base del trabajo plástico de de la Haba, subsiste un discurso implícito sobre la pérdida de los valores humanos en una sociedad que ha apostado por una modernidad donde la máquina, la producción en serie, las nociones de eficiencia y de utilidad, parecen haberse impuesto a las tradiciones del humanismo y del pensamiento ilustrado.

febrero de 2010


¿CÓMO CREA DE LA HABA?

por María de Mater O’Neill

Creo que es importante el registro del tiempo de la producción de la obra, tanto en el hacer como en sus periodos de incubación. El estado mental del creador es distinto. Son muchos los artistas que tienen en sí prácticas paralelas, más por su carácter de investigación y diálogo interdisciplinarios, que por necesidad económica. Jaime Suárez, arquitecto, catedrático y artista; igual mi persona, que navego entre la docencia, la pintura y el diseño. Al presente De la Haba se enfoca en la música, cursa estudios en el Departamento de Música de la Facultad de Estudios Humanísticos de la Universidad Interamericana de Puerto Rico.

El propósito de este escrito es abordar desde mi punto de vista como creadora, el método creativo de este compañero pintor. Usualmente se discute el artefacto, en este caso la obra pictórica, los trabajos presentados en la exhibición presente de imaginería urbana, de espacio público, que se atan pictóricamente con los murales de medio mixto de la Californiana Cindy Santos Bravo, que también es “DJ”. Pero son raros los escritos sobre los procesos creativos, aquellos pasos y métodos para la toma de decisiones en la creación del artefacto cultural. No quiere decir que mi análisis sea científico, relacionado a un método que se repite con exactitud. Los procesos creativos de los artistas varían según las circunstancias del tiempo y espacio en que se dan. Además, reflexionar sobre el proceso mental de Luis de la Haba es como yo tomar una “fotografía” de un estado mental creativo, pero como “fotografía” al fin, muy Roland Barthes, hay decisiones que tomo al enmarcar, es decir, qué dejo afuera y qué decido enfocar.

Hay dos tipos de conocimiento: (saber cómo hacer algo) - conocimiento procesal, implícito y difícil de poner en palabras; y, (saber qué, información factual) - conocimiento proposicional, que puede ser explícito y verbalizado (Clements-Croome, 2000). Aquí me concentraré en la primera, el conocimiento procesal del Luis de la Haba. El proceso para resolver problemas en lo que llamamos metafóricamente el espacio de solución creativa, se divide básicamente en dos etapas: la primera es dividir el mismo en partes, el análisis; y la segunda, es la reconstrucción del mismo según nuestro entendimiento de cómo podemos mejorarlo, que es la síntesis (Koberg y Bagnall, 1990).

De la Haba tiene tres prácticas, todas tienen en común el cuerpo: la pintura, la música y el deporte (es parte del equipo nacional de Golf). En la visita al taller, le solicité que me lo describiera para hacer de cada una un mapa mental creativo de los pasos de sus decisiones en cada una de las prácticas. Estaba buscando conexiones, procesos paralelos entre su pintura y la música mayormente.

ARTE: De la Haba empieza como muchos de nosotros los artistas, con una exploración de la visualización mental (Brainstorming) que proviene del instinto, no de un resultado racional en el que empieza a desarrollar y a responder a sus formas que se hacen visibles en la tela (actuar). Aquí el proceso se vuelve circular porque hay una constante revisión (edición) y volver a hacer visible (actuar); inclusive regresa al inicio de la visualización. En el proceso inconsciente de este pintor, aprende en su propio acto en la toma de sus decisiones, o sea, aunque empieza en un proceso bidireccional entre su instinto y su desarrollo visual, luego brinca al otro nivel de espiral donde la decisión es más consciente entre la abstracción y la formalización racional de las soluciones. Esta última es una tercera etapa: la evaluación de lo actuado. Este flow (el estado mental de concentración máxima) de divergencia-convergencia es común en los modelos mentales de creatividad estudiados por varios teóricos como Bela H. Banathy (1996) y Christopher Alexander (1964). El proceso creativo en la práctica de la pintura de De la Haba es cíclico iterativo, uno que permite mirar los pasos tomados y referirse hacia futuras decisiones si es necesario. Él aprende haciendo de modo inconsciente (“Me siento más libre”, me comenta). Este es un proceso muy parecido al mío, que aunque ambos tenemos estudios formales en la pintura, la adquisición de nuevo conocimiento es en el hacer.



MÚSICA Y DEPORTE: en la primera, De la Haba identifica como inicio el aprendizaje formal, y enfatizó el requisito del mismo que es necesario dominar antes de poder pasar al siguiente paso en su diagrama que sería la improvisación (Jazz). Por eso el flujo bidireccional se da entre la lógica de lo aprendido con la improvisación. Sólo dominar lo aprendido permite entonces actuar “con libertad”, según él mismo me explica. Para mi sorpresa, el diagrama es casi igual al del deporte, donde la improvisación se sustituye con la innovación (Golf), aunque para actuar, De la Haba hace el acto de visualización (“veo el tiro antes de hacerlo”). Aquí el creador cambia su paradigma: está en constante generación de nuevos objetivos y redefiniendo limitaciones, donde tanto en la práctica de música como en el deporte, el análisis es constante y la síntesis es al inicio del proceso.

El proceso creativo del pintor es un modelo que identificó el ingeniero Nigel Cross (2000): exploración >>> generación >>><<< evaluación >>> comunicación pero, entre generación (actuar) y evaluación hay una dinámica bidireccional. El modelo para su práctica de música y deporte es más racional, más de identificar el problema y actuar a base de un conocimiento formal, pero reconociendo más adelante el flow. Este podría ser el del arquitecto Bryan Lawson (1991): formulación del problema >>> preparación >>> incubación >>> iluminación mental (flow) >>> verificación.

Por lo tanto podría comparar ambos procesos creativos con el siguiente ciclo sistemático, donde en todas las prácticas se actúa pero en el arte el inicio es la intuición, luego interpretar y decidir y las otras dos comienzan con la planificación, el hacer dentro de una estructura más rígida y verificar su toma de decisiones para actuar.


De la Haba tiene dos métodos para trabajar creativamente, este análisis podría traer un entendimiento al artista de cómo él navega entre etapas y permite así una mirada autocrítica sobre su efectividad en su proceso creativo. Abriría las puertas para nuevos paradigmas, creando nuevo conocimiento procesal a base de su experiencia. La “fotografía” actual del estado mental de Luis de la Haba revela un periodo de incubación pictórica que auguro que seguirá urbana pero intervenida con su práctica de la música de alguna manera. “Recuerda”, él me comenta, “El pintor es como el compositor”.

octubre de 2009

EDUCACION

1974 M.A. Pintura, New York University, Nueva York
1973 B.A. Arte, New York University, Nueva York

SELECCION EXPOSICIONES COLECTIVAS

2010 Sex Sells, Arte Foundation,San Juan,Puerto Rico
2008 Puerto Rico International Art Fair, Arte Foundation,San Juan,Puerto Rico
2001 Suburbia Pa’ ver,Hiper Revista Cultural El Cuarto del Quenepón
1994 Casa Olímpica, San Juan,Puerto Rico
1994 Colectiva Anual, Galería Botello,Hato Rey,Puerto Rico
1994 Colectiva Anual, Galería Botello,San Juan,Puerto Rico
1994 Colectiva de Pintura Contemporánea,R&G Mortgage,San Juan,Puerto Rico
1993 Colectiva Anual, Galería Botello,San Juan,Puerto Rico
1993 Exposición Quinto Centenario del Descubrimiento de Puerto Rico,
         Museo del Arsenal de la Marina,San Juan,Puerto Rico
1992 Colectiva Anual, Galería Botello,San Juan,Puerto Rico
1988 Colectiva Anual, Galería Luiggi Marrozzinni,San Juan,Puerto Rico
1988 Colectiva Anual, Galería Palomas,San Juan,Puerto Rico
1988 Colectiva Anual, Galería Botello,San Juan,Puerto Rico
1986 Fine Art for Fine Causes, Tucson,Arizona
1985 The National Museum of Western Art,Tokío,Japón
1984 Colectiva Anual, Galería Palomas,San Juan,Puerto Rico
1983 Salón UNESCO, Universidad de Puerto Rico,San Juan,Puerto Rico
1983 Colectiva Anual, Galería Palomas,San Juan,Puerto Rico
1983 Sexta Bienal del Grabado Latinoamericano
1983 Museo Arsenal de La Marina,San Juan,Puerto Rico
1982 Museo de Arte de Ponce,Ponce,Puerto Rico
1982 Universidad Católica de Puerto Rico,Ponce,Puerto Rico
1982 Salón de Arte Universitario, Convento de los Dominicos,San Juan,Puerto Rico
1981 Salón UNESCO, Universidad de Puerto Rico,San Juan,Puerto Rico
1981 Universidad Católica de Puerto Rico,Ponce,Puerto Rico
1981 Museo de Arte e Historia,San Juan,Puerto Rico
1980 Certamen de Arte Universitario, Museo de Arte e Historia,San Juan,Puerto Rico
1979 Biblioteca Carnegie,San Juan,Puerto Rico
1978 Exposición Anual de Arte Joven,Royal Bank of Canada,Hato Rey,Puerto Rico
1977 Salón de Arte Universitario,Biblioteca Carnegie,San Juan,Puerto Rico
1977 Instituto de Cultura Puertorriqueña,Convento de los Dominicos,Puerto Rico
1977 Colectiva, Galería Pitirre,San Juan,Puerto Rico
1976 Salón Nacional Pintura UNESCO,Universidad de Puerto Rico,San Juan
1975 Universidad de Puerto Rico,San Juan,Puerto Rico

SELECCION EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2010 Pinturas Recientes, Universidad Interamericana,San Juan,Puerto Rico
1997 Pintura Reciente, Galería Botello,San Juan,Puerto Rico
1995 Obras Recientes, Cruz Azul,San Juan,Puerto Rico
1994 Mediodía, Galería Botello, San Juan,Puerto Rico
1994 San Juan Viejo, Galería Botello, San Juan, Puerto Rico
1986 Obras Recientes, Museo del Arsenal de La Marina,San Juan,Puerto Rico
1986 Viejo San Juan, Teatro Tapia, San Juan,Puerto Rico
1981 Torres de la Haba, Galería de Arte Casa Alcaldía,San Juan,Puerto Rico
1979 Mural: Mayagüez, New York Telephone Company,Nueva York
1977 Exposición de Pinturas, Museo de Bellas Artes,San Juan,Puerto Rico
1976 Alrededores, Galería Pandora,Caracas,Venezuela
1975 Retratos y Paisajes, Alcaldía de San Juan,San Juan,Puerto Rico
1974 Thesis, New York University,Nueva York